Ved å dra nytte av premieren på den storslåtte «Nouvelle Vague», av Richard Linklater (allerede omtalt i vår Gijón-festivalkrønike), foreslår vi en topp av filmer fra den berømte franske bevegelsen som fremmet ankomsten av modernitet – når det gjelder kulturhistorie, av «språklig bevissthet» – til kino. Dette er ikke et kanonisk utvalg, men et personlig utvalg, tatt i betraktning et kriterium som jeg anser som grunnleggende når jeg skal vurdere filmer fra fortiden utenfor det strengt historiografiske virkeområdet: deres relevans i nåtiden, det vil si hvordan tiden har gått gjennom dem.
For det første, for de som ønsker å utvide sin kunnskap, anbefaler jeg det som etter min mening er den beste boken utgitt på spansk om emnet: ‘Around the Nouvelle Vague: ruptures and horizons of modernity’ (VV.AA., 2002).
De fire hundre slagene (François Truffaut)
Det hele startet med henne. Uten innvirkningen som François Truffauts debut hadde på Cannes-festivalen i 1959, hvor han vant prisen for beste regissør, ville kanskje ikke bevegelsen blitt artikulert på en så sammenhengende måte, med de fem kritikerne av Cahiers du Cinéma – Truffaut, Jean-Luc Godard, Éric Rohmer, Claude Chabrol – debuterte i spillefilmen samtidig. Lokasjonsfilming, naturalistiske tolkninger, mobilkamera, åpen fortelling… ‘The Four Hundred Blows’ (1959) imponerte (og fortsetter å imponere) med sin forbløffende kreative frihet og ekstraordinære dramatiske følsomhet. Sensibilitet som ville finne en mer åpent lyrisk og romantisk forlengelse i en annen milepæl i bevegelsen: ‘Jules and Jim’ (1962).
Tilgjengelig: Filmin.
På slutten av ferien (Jean-Luc Godard)
Hvis Truffaut opplyste moderne kino, strøk Godard på den og påførte den elektriske støt. Med sin utrolige debut, ‘At the End of the Break’ (1960), som over tid ble den mest emblematiske filmen av nouvelle vague (og den kuleste), dynamiserte den fransk-sveitsiske filmskaperen tradisjonell filmgrammatikk, den såkalte «institusjonelle representasjonsmåten», med en smittende frekkhet, friskhet og entusiasme. I filmen sameksisterer den fetisjistiske kjærligheten til klassisk kino, den fulle fremveksten av modernitet og prefigurasjonen av postmodernitet. Alt som skulle gjøre Tarantino berømt på 90-tallet, hadde Godard allerede forutsett på 60-tallet (ikke ved en tilfeldighet, førstnevnte kalte produksjonsselskapet sitt A Band Apart). Å se denne filmen og deretter Linklaters er kulminasjonen av cinefil glede.
Tilgjengelig: Filmin, Movistar+, Flixolé
Band Apart (Jean-Luc Godard)
Godards kreative eksplosjon på 1960-tallet, inntil han skilte seg fra sin kone og muse Anna Karina og ble maoist, er forbløffende. Få filmskapere har vist en sammenlignbar evne til å generere ikoniske sekvenser, bilder som er bestemt til å vare utover selve historien. ‘Band Apart’ (1964) inneholder to av de mest kjente og narrativt betydningsfulle scenene i kinohistorien, autentisk poppoesi: dansen i kafeen, som fungerer som en forestilling, en lyrisk, leken og selvbevisst fuge som suspenderer den narrative progresjonen og undergraver den dramatiske logikken til en film som senere skulle bli gravert; og løpet gjennom Louvre-museet, en tilsynelatende barnslig spøk som faktisk skjuler en mektig politisk diskurs full av respektløshet, nærmest en handling av punkovertredelse.
Tilgjengelig: Filmin, Prime Video
Min natt med Maud (Éric Rohmer)
Éric Rohmer hadde mye vanskeligere for å komme i gang enn Truffaut og Godard. Hans første spillefilm, ‘The Sign of Leo’ (1962), var en fiasko og gikk praktisk talt ubemerket hen. Han måtte vente på «The Collector» (1967) og fremfor alt «My Night with Maud» (1969), presentert med stor suksess i Cannes og nominert til to Oscars (beste originalmanus og beste fremmedspråklige film), for at karrieren skulle ta definitivt fart. Fra da av etablerte Rohmer seg som en av de mest innflytelsesrike filmskaperne innen samtidskino (alle filmene om par som snakker om kjærlighet og meningen med livet mens de går, skylder mye til kinoen hans). I ‘My Night with Maud’ er alt som definerer den rohmerske stilen allerede fortettet: formell renhet, moralsk og intellektuell tetthet og en narrativ letthet som gjør filmene hans til hyggelige filmvandringer, like diskré og rolig som de er dypt reflekterende.
Tilgjengelig: Filmin, Prime Video
Cleo fra 5 til 7 (Agnès Varda)
Hvor bra tiden har gått for denne filmen. Agnès Vardas mest kjente verk er et tydelig eksempel på sen omvurdering. ‘Cléo fra 5 til 7’ ble satt stor pris på av hennes samtidige, men ble snart henvist til bakgrunnen inntil, mer enn tjue år senere, Varda vendte tilbake til forkant av verdens kino ved å vinne på filmfestivalen i Venezia med ‘No Roof or Law’ (1985). Fra da av gjenoppdaget en ny generasjon seere arbeidet hennes til hun nådde nåværende anerkjennelse: I den siste store undersøkelsen til Sight and Sound dukket ‘Cléo fra 5 til 7’ opp på 14. plass blant de beste filmene i historien. Varda bidro ikke bare med et banebrytende feminint blikk til det nouvelle vague (og til «nye kinoer» generelt), men hun nådde også en av dets estetiske topper: en eksepsjonell kombinasjon av dokumentarisk letthet, komposisjonell strenghet og en mesterlig bruk av subjektiv tid.
Tilgjengelig: Prime Video
Lykke (Agnès Varda)
Hvis ‘Cléo fra 5 til 7’ er rikelig anerkjent, har ‘Happiness’ (1965) fortsatt en lang vei å gå. Men det kommer. Påstått av samtidige feministiske kritikere, ble filmen mye misforstått på den tiden. Varda leker med ironi fra selve tittelen. Under en lysende, nesten reklameframtoning -mettede farger, bukoliske landskap, kjekke artister, mild musikk av Mozart-, som fungerer som en allegorisk sminke, legger filmen en veldig fin kritikk (så fin at den i en rask lesning kan forveksles med tvetydighet) av borgerlig og patriarkalsk ideologi. Jo mer perfekt bildet virker, med en sprudlende kromatikk som vi i dag vil beskrive som Almodovarian, jo mer urovekkende er innholdet: naturaliseringen av heteroseksuelle mannlige egoistiske begjær.
Tilgjengelig: Filmin, Prime Video
Farvel filippinsk (Jacques Rozier)
Med ‘Adiós Filipina’ skjer noe som ligner på det som skjedde med ‘Happiness’. Veldig glemt i mange år, delvis på grunn av den knappe påfølgende produksjonen av regissøren (han spilte bare fire spillefilmer til, med stor fordeling av tid), blir filmen gradvis gjenoppdaget og verdsatt som et av de mest gjennomførte verkene i nouvelle vague. Jacques Roziers spillefilmdebut inneholder alt du kan forvente av «den nye bølgen»: ungdommelig entusiasme, formell frihet og narrativ eksperimentering. Et naturalistisk og stemningsfullt generasjonsportrett, preget av Algerie-krigen, et latent og truende nærvær som farger et verk fullt av friskhet og vitalitet med melankoli og en vedvarende følelse av farvel. En perle.
Tilgjengelig: Filmin
Den utro kvinne (Claude Chabrol)
Med Claude Chabrol skjer det motsatte enn med Godard: du må vente til slutten av sekstitallet for å begynne å se hans beste verk og stilen han ville blitt mest anerkjent for. Men i motsetning til Rohmer er det ikke snakk om mangel på filmer – siden debuten i 1958 med ‘Den vakre Sergio’ spilte Chabrol ikke mindre enn 19 spillefilmer – men snarere et spørsmål om modenhet som filmskaper. Med ‘The Unfaithful Woman’ (1969) begynner vi å se borgerskapets store portretttegner som ved hjelp av thrillerens koder dissekerer (a)moralen til den velstående middelklassen med slakterpresisjon (som parafraserer tittelen på et av hans mesterverk). Kinoen til den produktive Chabrol – mer enn femti spillefilmer – er ikke formelt banebrytende, men moralsk. Formene er klassiske, men innholdet er dypt uærbødig og etsende.
Tilgjengelig: Movistar+, Flixolé
The Crazy Travels of Céline and Julie (Jacques Rivette)
Av de fem redaktørene av Cahiers du Cinéma som utgjorde den harde kjernen i nouvelle vague, er Jacques Rivette den minst kjente og, for min smak, den minst interessante. Jeg har nesten aldri koblet meg til kinoen hans. Derfor har jeg valgt en film som ikke tilhører den klassiske perioden av nouvelle vague, som skulle gå fra 1959 til 1969, med eksplosjonen i mai ’68 som avslutningspunkt, men som jeg anser som den mest trofaste mot dens opprinnelige ånd. ‘The Crazy Travels of Céline and Julie’ (1974) fungerer veldig bra som en leken og lysende fabel om vennskapet mellom to kvinner, som leker med stor ynde og fantasi med surrealisme, 1800-talls melodrama og meta-kinematografi.
Tilgjengelig: Filmin
Forakt (Jean-Luc Godard)
Jeg kunne ha fullført dette utvalget med en hvilken som helst annen film fra Godard før sekstitallet, med underverker som «A Woman is a Woman» (1961), «Pierrot the Fool» (1965) eller et av hans store mesterverk, «Living His Life» (1962) (det vil være de som savner filmskapere som Alain Resnais, De Malle som var deres egne forfattere, eller Jacques De Malle, men som var deres egne forfattere. som har blitt inkludert i posen til nouvelle vague mer på grunn av generasjonsnærhet og stilistisk tilhørighet enn på grunn av ekte tilhørighet til bevegelsen). Men siden Brigitte Bardot nettopp har dødd, hvilken bedre måte å avslutte enn med det som var hennes beste film. ‘Contempt’ (1963) er, fra et audiovisuelt synspunkt, et av de vakreste verkene som noen gang er filmet: en melankolsk historie om ekteskapelig hjertesorg og kjærlighet til kino, en refleksjon av spenningene mellom kunst og industri, modernitet og klassisisme, følelse og refleksjon, artikulert gjennom en blendende fargebruk og et uforglemmelig lydspor av George Delerue.
Tilgjengelig: Filmin
