De siste årene har flere komponister knyttet til moderne nyklassisistisk endt opp med å skrive musikk for film. Arbeidet til den tyske komponisten Max Richter for «Hamnet» er ett av mange eksempler, som også er lagt til andre fra eksperimentell og/eller elektronisk musikk, som Kangding Rays lydspor for den spanske «Sirat».
Mange av disse komponistene ga allerede ut musikk på spesialiserte uavhengige plateselskaper. Den islandske Jóhann Jóhannsson redigerte på 4AD, ikke mindre. Den nevnte Kangding Ray, i Raster-Noton. Mange vil huske soloverket til den også islandske Hildur Guðnadóttir – assosiert med Sigur Rós eller múm – før de komponerte lydspor som ‘Chernobyl’ eller ‘Joker’, både under aliaset Lost in Hildurness og under hennes fornavn.
De fleste av dem er musikere knyttet til komposisjonen av miljøer og teksturer. Ved å kombinere musikk med lyddesign, tyr ikke regissører til dem for å komponere dramatiske symfoniske verk, men snarere tvert imot. Lytt til lydsporet til «Hamnet»: det kan være en utgivelse fra Erased Tapes or Touch, to plateselskaper som har spesialisert seg på nyklassisistisk musikk siden før den erobret mainstream kino.
Når vi snakker om nyklassisistisk musikk, sikter vi til en variant av post-minimalistisk musikk som smelter sammen elementer av klassisk samtidsmusikk med ambient, elektronisk, avantgarde, post-rock og andre stilarter. Mange av de moderne komponistene som publikum lytter til i dag, som Nils Frahm eller, selvfølgelig, Max Richter, begynte med å gi ut plater på små plateselskaper eller samarbeide med uavhengige filmskapere, og allerede da hørtes musikken deres ut som et lydspor. ‘Memoryhouse’, Richters debut i 2002, foreslo musikken til en imaginær dokumentar. Nettopp ‘On the Nature of Daylight’ av Richter, nylig fremhevet i JENESAISPOP-foraene for bruken i ‘Arrival’, har blitt en klassiker innen nyklassisistisk musikk brukt på kino. Selvfølgelig var lydsporet signert av Jóhann Johansson, som døde i 2018.
Det er presedenser som gjør at vi kan lokalisere dette fenomenet. På 1980-tallet kom eksperimentelle komponister som Philip Glass allerede til å komponere musikk til filmer. Forskjellen ligger i konteksten: Mens Glass skrev musikk for eksperimentelle og uavhengige filmer, overfører nå forfattere som Hildur Guðnadóttir eller Daniel Lopatin, hvis arbeid for ‘Uncut Gems’ eller nylig ‘Marty Supreme’ er allment anerkjent, sine miljøteksturer til store Hollywood-produksjoner, og vant Oscars og Grammys.
Hildurs tidligere samarbeidspartner i Berlin, Jóhann Jóhannsson, er trolig en av pionerene, for sitt arbeid med spillefilmer som ‘The Theory of Everything’ (2014). Han hadde tidligere gitt ut verk som ‘Fordlandia’ (2008), som virket som lydspor uten å være det. Kanskje de blir det i fremtiden.
Det er vanskelig å fastslå den eksakte opprinnelsen til fenomenet, men vi kan komme nærmere ved å huske påvirkningen av lydsporet til ‘The Social Network’ (2010). David Fincher bestilte denne musikken fra Trent Reznor og Atticus Ross, medlemmer av Nine Inch Nails, på jakt etter en tekstural og tonal musikk som praktisk talt smeltet sammen med bildene. Mica Levis musikk til ‘Under the Skin’ (2013), av Jonathan Glazer, fulgte tydeligvis en lignende linje. Denis Villeneuves tilnærming var lik da han ga Jóhannsson til å score ‘Blade Runner 2049’, og uttalte at han prøvde å «skape en atmosfære der musikk og lyddesign kommer sammen som ett.»
Forskyvningen av «tematisk» musikk som er typisk for det klassiske lydsporet – slik som John Williams eller James Horner på 70-, 80- og 90-tallet – mot, på 2000- og 2010-tallet, en musikk som vektlegger tekstur, repetisjon og atmosfære, når et så langt punkt at komponister som Dustin O’Halloren er kjent for sine samtidige pianogrupper og samspill. som A Winged Victory for the Sullen (knyttet til Stars of the Lid), skrev plutselig lydsporet til «Bridget Jones: Crazy for Him» og komponerte også musikk til TV-serier som «Transparent», noe som bekrefter at nyklassisistisk musikk er mer tilstede og mer lyttet til enn noen gang.
La oss snakke om nyklassisistisk musikk eller annen mer elektronisk og eksperimentell musikk, til og med tilfeller som Jonny Greenwood, gitarist i Radiohead, som komponerer lydspor for Hollywood-blockbustere som ‘One Battle After Another’, i alle eksemplene er de forent av søket etter en miljømessig lydfølsomhet, skapelsen av musikk som ikke nødvendigvis «kommenterer» scenen, men snarere akkompagnerer, handlinger eller strider. kunstgrep.
Dette fenomenet er derimot lett knyttet til fremveksten av ambient-musikk på strømmeplattformer. Spotify- og YouTube-spillelister er oversvømmet med «piano for studying» eller «ambient for relaxing»-musikk, designet for å spilles i bakgrunnen, og fremkaller filosofien til Brian Eno. Dette er livets daglige «lydspor» for millioner av forbrukere som lytter til subtil musikk mens de utfører andre oppgaver og aktiviteter. Filmregissører vet at denne musikken knytter seg til publikum, som deretter vil gå på kino for å se filmene deres.
